BAU17 -BAWAVES
Contenitore di Cultura Contemporanea
BAU nasce nel 2004 a Viareggio ad opera di un gruppo di artisti curiosi attenti ai multiformi aspetti della cultura del nostro tempo. Grazie a una rete diffusa e in costante espansione di contatti, il progetto si materializza ogni anno in un cofanetto formato uniA4, appositamente progettato: BAU contenitore di cultura contemporanea. La "scatola" è prodotta, senza alcun fine di lucro, in tiratura limitata di 150 copie (120 il numero 1 e 200 i numeri 9-10) e contiene contributi originali numerati e firmati di numerosi autori internazionali.
Il contenitore BAU si inserisce nella vasta tradizione delle riviste d'artista e ad assemblaggio sviluppatasi fin dagli anni sessanta.Esso sperimenta nuovi linguaggi, tecnologie e materiali, operando in una peculiare dimensione di lavoro di gruppo.
BAU, in un'ottica relazionale e non competitiva, sensibile ai rapporti tra arte, scienza, politica e ambiente, è un punto d'incontro che stimola dialoghi, confronti e scambi tra le più varie discipline: grafica, collage, fotografia e arti visuali in genere, ma anche ricerche poetiche e narrative, esperienze acustiche e performative, documenti legati al mondo della moda e del design. La rete operativa si esprime anche nella progettazione di mostre, convegni, rassegne ed eventi, organizzati in spazi istituzionali (biblioteche, gallerie,musei) ed in luoghi atipici.
Il contenitore BAU si inserisce nella vasta tradizione delle riviste d'artista e ad assemblaggio sviluppatasi fin dagli anni sessanta.Esso sperimenta nuovi linguaggi, tecnologie e materiali, operando in una peculiare dimensione di lavoro di gruppo.
BAU, in un'ottica relazionale e non competitiva, sensibile ai rapporti tra arte, scienza, politica e ambiente, è un punto d'incontro che stimola dialoghi, confronti e scambi tra le più varie discipline: grafica, collage, fotografia e arti visuali in genere, ma anche ricerche poetiche e narrative, esperienze acustiche e performative, documenti legati al mondo della moda e del design. La rete operativa si esprime anche nella progettazione di mostre, convegni, rassegne ed eventi, organizzati in spazi istituzionali (biblioteche, gallerie,musei) ed in luoghi atipici.
BAU ASSOCIAZIONE CULTURALE
VIA A. PUCCI 109
55049 VIAREGGIO / LU / ITALY
T / PH: 0584 944546
INFO@BAUPROGETTO.NET
BAU WAS FOUNDED IN 2004 IN VIAREGGIO, ON THE COAST OF TUSCANY, BY A GROUP OF ARTISTS AND INDIVIDUALS INTERESTED IN THE MANY-SIDED ASPECTS OF THE CULTURE OF OUR TIMES. THANKS TO A WIDESPREAD AND CONSTANTLY EXPANDING NETWORK OF CONTACTS, EVERY YEAR THE PROJECT TAKES THE SHAPE OF AN EXPRESSLY DESIGNED UNIA4 SIZED BOX: BAU CONTAINER OF CONTEMPORARY CULTURE. THIS NON-PROFIT BOX IS PRODUCED IN A LIMITED EDITION OF 150 COPIES (120 FOR ISSUE 1 AND 200 FOR ISSUES 9-10) AND CONTAINS ORIGINAL WORKS, SIGNED AND NUMBERED, FROM A LARGE NUMBER OF INTERNATIONAL CONTRIBUTORS.
THE BAU CONTAINER FITS IN THE VAST TRADITION OF ASSEMBLING PUBLICATIONS AND ARTISTS' MAGAZINES THAT DEVELOPED SINCE THE EARLY SIXTIES. IT INTENDS TO EXPERIMENT WITH NEW LANGUAGES, TECHNOLOGIES AND MATERIALS, OPERATING IN A PECULIAR DIMENSION OF GROUP WORK.
IN A RELATIONAL AND NON COMPETITIVE PERSPECTIVE THAT IS RESPONSIVE TO THE RELATIONSHIPS BETWEEN ART AND SCIENCE, POLITICS AND ENVIRONMENT, BAU ACTS AS A MEETING POINT IN ORDER TO STIMULATE DIALOGUES, INTERACTIONS AND EXCHANGES AMONG THE MOST DIVERSE DISCIPLINES: GRAPHICS, COLLAGE, PHOTOGRAPHY AND THE VISUAL ARTS IN GENERAL, BUT ALSO POETICAL AND NARRATIVE RESEARCHES, ACOUSTIC AND PERFORMATIVE EXPERIENCES, DOCUMENTS PERTAINING THE FIELDS OF FASHION AND DESIGN, ETC. THE OPERATIVE NETWORK EXPRESSES ITSELF ALSO THROUGH THE PLANNING OF EXHIBITIONS, MEETINGS, FESTIVALS AND EVENTS, ORGANIZED IN INSTITUTIONAL SPACES (LIBRARIES, GALLERIES, MUSEUMS) AND IN ATYPIC LOCATIONS.
THE BAU CONTAINER FITS IN THE VAST TRADITION OF ASSEMBLING PUBLICATIONS AND ARTISTS' MAGAZINES THAT DEVELOPED SINCE THE EARLY SIXTIES. IT INTENDS TO EXPERIMENT WITH NEW LANGUAGES, TECHNOLOGIES AND MATERIALS, OPERATING IN A PECULIAR DIMENSION OF GROUP WORK.
IN A RELATIONAL AND NON COMPETITIVE PERSPECTIVE THAT IS RESPONSIVE TO THE RELATIONSHIPS BETWEEN ART AND SCIENCE, POLITICS AND ENVIRONMENT, BAU ACTS AS A MEETING POINT IN ORDER TO STIMULATE DIALOGUES, INTERACTIONS AND EXCHANGES AMONG THE MOST DIVERSE DISCIPLINES: GRAPHICS, COLLAGE, PHOTOGRAPHY AND THE VISUAL ARTS IN GENERAL, BUT ALSO POETICAL AND NARRATIVE RESEARCHES, ACOUSTIC AND PERFORMATIVE EXPERIENCES, DOCUMENTS PERTAINING THE FIELDS OF FASHION AND DESIGN, ETC. THE OPERATIVE NETWORK EXPRESSES ITSELF ALSO THROUGH THE PLANNING OF EXHIBITIONS, MEETINGS, FESTIVALS AND EVENTS, ORGANIZED IN INSTITUTIONAL SPACES (LIBRARIES, GALLERIES, MUSEUMS) AND IN ATYPIC LOCATIONS.
BAU17 - BAWEVES: Antonio Poce - Compositore e Visual Artist
Nel 1994 ha ideato e diretto la manifestazione intermediale Europa Festival. Nel 1997 ha fondato il gruppo Hermes Intermedia. Dopo gli studi classici, ha studiato la Composizione con Ennio Morricone, Domenico Guaccero e Salvatore Sciarrino. Laurea in Lettere presso l’Università Sapienza di Roma con ricerche sul linguaggio musicale contemporaneo. Per la sua attività creativa ha ottenuto prestigiosi riconoscimenti in numerosi festival e concorsi internazionali. La sua ricerca artistica procede parallelamente all’evoluzione della sensibilità percettiva sollecitata dai nuovi media sviluppando codici e linguaggi diversi. Una scelta estetica che riunisce la sapienza antica e le nuove scritture. Aspira al nitore della poesia mistica, per allontanare gli estremismi della dialettica e della ragione. La musica espansa è la traccia e il paradigma più autentico della sua immaginazione.
Dalla sua “Lettera a Goethe”
matita, collage e pigmenti su cartoncino
Le mostre a Roma dedicate a Raffaello
Scuderie del Quirinale
Dal 5 marzo al 2 giugno
“Una grande mostra europea che raccoglie capolavori mai riuniti finora. Il giusto modo per celebrare la grandezza e la fama di un artista universale a 500 anni dalla sua morte”. Così il ministro dei Beni culturali Dario Franceschini ha annunciato la grande mostra, intitolata semplicemente "Raffaello", che riunirà alle Scuderie del Quirinale circa 200 lavori, tra opere di confronto, dipinti e disegni di mano dell'artista, con un particolare sguardo rivolto al periodo romano. Saranno esposti La Madonna del Granduca e la celebre Velata dalle Gallerie degli Uffizi (il museo fiorentino hanno prestato circa 50 opere delle quali oltre 40 dello stesso Raffaello), la Santa Cecilia dalla Pinacoteca di Bologna, la Madonna Alba dalla National Gallery di Washington, il Ritratto di Baldassarre Castiglione e l’Autoritratto con amico dal Louvre.
Domus Aurea
Da marzo 2020 a gennaio 2021
Mostra multimediale intitolata "Raffaello nella Domus Aurea. L’invenzione delle grottesche”. Con straordinari apparati interattivi e multimediali il progetto ha l’ambizione di raccontare la storia e l’arte di uno dei complessi architettonici più famosi al mondo, che ha segnato e influenzato, con la sua scoperta, l’iconografia del Rinascimento.
Dal 5 marzo al 2 giugno
“Una grande mostra europea che raccoglie capolavori mai riuniti finora. Il giusto modo per celebrare la grandezza e la fama di un artista universale a 500 anni dalla sua morte”. Così il ministro dei Beni culturali Dario Franceschini ha annunciato la grande mostra, intitolata semplicemente "Raffaello", che riunirà alle Scuderie del Quirinale circa 200 lavori, tra opere di confronto, dipinti e disegni di mano dell'artista, con un particolare sguardo rivolto al periodo romano. Saranno esposti La Madonna del Granduca e la celebre Velata dalle Gallerie degli Uffizi (il museo fiorentino hanno prestato circa 50 opere delle quali oltre 40 dello stesso Raffaello), la Santa Cecilia dalla Pinacoteca di Bologna, la Madonna Alba dalla National Gallery di Washington, il Ritratto di Baldassarre Castiglione e l’Autoritratto con amico dal Louvre.
Domus Aurea
Da marzo 2020 a gennaio 2021
Mostra multimediale intitolata "Raffaello nella Domus Aurea. L’invenzione delle grottesche”. Con straordinari apparati interattivi e multimediali il progetto ha l’ambizione di raccontare la storia e l’arte di uno dei complessi architettonici più famosi al mondo, che ha segnato e influenzato, con la sua scoperta, l’iconografia del Rinascimento.
Arianna Matta - Romanticismo digitale a cura di Gabriella Damiani
Arianna Matta - Romanticismo digitale
a cura di Gabriella Damiani
GALLERIA ORIZZONTI ARTE CONTEMPORANEA
Piazzetta Cattedrale
Centro Storico
Ostuni
opening domenica 30 giugno
ore 11.00
30 giugno - 14 luglio 2019
L'artista romana Arianna Matta è la protagonista della terza mostra nel calendario degli eventi della galleria Orizzonti Arte Contemporanea di Ostuni. Con la personaleRomanticismo digitale l'artista propone una selezione di dipinti di grandi dimensioni puntando l'attenzione sul flusso del tempo, liquido, interrotto e sospeso che attraversa luoghi fermi ma vibranti, proiezione di immagini interiori.
L'artista stessa ci parla del suo lavoro, raccontandoci quanto il trascorrere del tempo, il passato inteso come radici, siano elementi fondamentali nel suo lavoro.
“Il tempo è per me un fattore determinate, difficile se non impossibile fissarne la memoria. Noi siamo la nostra memoria, noi siamo questo museo chimerico di forme incostanti, questo mucchio di specchi rotti– scriveva Borges – autore che amo molto e, in un certo senso, la mia pittura traduce in immagini tali parole. Anche se l'incertezza di un tempo o di uno spazio credo sia connaturata all’esistenza stessa, ogni azione umana si nutre dell’illusoria volontà del superamento della stessa. Infatti la pittura è la mia illusione, il mio prendere tempo, una specie di pacificata rassegnazione. Forse è un modo per fissare sulla tela la nostalgia attraverso una sorta di archeologia della memoria, non per testimoniare quello che è stato, ma per vivere, per andare avanti. Ricostruiamo noi stessi attraverso un puzzle di ricordi, che plasmiamo di volta in volta, per come ci fa più comodo, per come dobbiamo o riusciamo a essere in un preciso momento. Pertanto, una certa tensione nostalgica e malinconica è presente nel mio fare pittura e non potrebbe essere altrimenti.
In riferimento a un onirismo liquido cosi definito e ravvisato nelle mie opere, alcuni amici mi fecero notare certe analogie tra il pensiero di Bauman, in merito appunto alla liquidità e il mio modo di dipingere. In realtà, non c’è un riferimento conscio e diretto, ma vivendo in questo tempo non posso che essere il frutto, oserei dire, l’anello debole, di questa vita liquida. Anello debole in quanto non mi ritengo una pittrice contemporanea, mi definirei ‘neoromantica digitale’, destinata in un certo senso a soccombere, se proprio vogliamo riferirci a Bauman. In questa vita liquida, o cambiamo pelle di continuo o siamo destinati a essere sopraffatti. Io ho deciso di tenere la mia pelle, di essere aderente a me stessa.
Ed è per questo che la mia ricerca pittorica si sviluppa intorno all’esigenza di una pittura intimista. Il gesto tecnico, nella mia visione dell’arte, è fortemente legato a quello concettuale; di conseguenza la mia, è una pittura gestuale, che si nutre dell’immediatezza delle emozioni. Non realizzo disegni preparatori o bozzetti, lascio che il movimento sia naturale e svincolato dalla forma, Il mio è un ’romanticismo digitale’, vale a dire un romanticismo che si nutre delle nuove tecnologie, sviluppandole in ‘analogico’. Tendo ad evocare spazi vissuti ed emozioni strizzando l’occhio alla glitch art, come se il richiamo al 'disturbo digitale' fosse, ad oggi, il modo più naturale per raccontare le inquietudini quotidiane”.
GALLERIA ORIZZONTI ARTECONTEMPORANEA
Piazzetta Cattedrale (centro storico)
72017 Ostuni (Br)
Tel. 0831.335373 – Cell. 348.8032506
info@orizzontiarte.it
www.orizzontiarte.it
FB: Orizzontiartecontemporanea
Kanz goes to EDIT Napoli
KANZ will be at EDIT Napoli:
COMPLESSO MONUMENTALE SAN DOMENICO MAGGIORE
Vico San Domenico Maggiore 8, Napoli
OPENING DAYS & OURS
7th to 9th June, 10 AM - 7 PM
Free entrance
COMPLESSO MONUMENTALE SAN DOMENICO MAGGIORE
Vico San Domenico Maggiore 8, Napoli
OPENING DAYS & OURS
7th to 9th June, 10 AM - 7 PM
Free entrance
Please don’t touch me
Please don’t touch me
Live Performance di Angelo Orazio Pregoni
Installazione di Marco Ventura
20 giugno ore 20.30
La completa immersione nell’arte per un’epifania multisensoriale
Presso il CnC HUB, nella suggestiva Milano dei Navigli, l’artista sinestetico e perfume makerAngelo Orazio Pregoni proporrà una performance carnale, provocante e rivelatoria in cui l’olfatto indagherà la natura autentica della figura femminile.
Una performance che sancisce la maturità artistica di Pregoni, capace di riassumere la lezione fluxus con la body art scenica di Urs Lüthi e il nuovo realismo di Yves Klein.
Angelo Orazio Pregoni affronta per la prima volta il tema di un’opera pittorica, sancendo definitivamente la sua sinestesia, e calibrando i valori estetici del lavoro artistico con l’odore, completando davanti al suo pubblico il primo dipinto “antropomorfico olfattivo” della storia.
Pregoni parla della donna e per la donna, in forma sacra e all’unisono pagana la donna è unico soggetto d’arte mentre il pubblico è oggetto d’indagine artistica.
In aperto contrasto con una società che ignora il ruolo della donna e ne calpesta i diritti, Please don’t touch megenererà un percorso di rivelazione ed emancipazione sospeso tra tensione, attese e iper-reale.
Le installazioni metropolitanedel designer e scultore Marco Ventura, cariche di suggestioni steampunk, saranno parte integrante della coinvolgente esperienza.
Don’t touch meLo scandalo è quello che è permesso, e come spesso accade con gli scandali, non è lo scandalo originale a far sì che la gente si turbi, ma le mezze verità dei suoi ricordi.
Ingresso gratuito
Conferma la tua partecipazione scrivendo a staff@pleasurefactory.it
A seguire cocktail party
Location: CnC HUB Alzaia Naviglio Grande 108 - 20144 Milano
Live Performance di Angelo Orazio Pregoni
Installazione di Marco Ventura
20 giugno ore 20.30
La completa immersione nell’arte per un’epifania multisensoriale
Presso il CnC HUB, nella suggestiva Milano dei Navigli, l’artista sinestetico e perfume makerAngelo Orazio Pregoni proporrà una performance carnale, provocante e rivelatoria in cui l’olfatto indagherà la natura autentica della figura femminile.
Una performance che sancisce la maturità artistica di Pregoni, capace di riassumere la lezione fluxus con la body art scenica di Urs Lüthi e il nuovo realismo di Yves Klein.
Angelo Orazio Pregoni affronta per la prima volta il tema di un’opera pittorica, sancendo definitivamente la sua sinestesia, e calibrando i valori estetici del lavoro artistico con l’odore, completando davanti al suo pubblico il primo dipinto “antropomorfico olfattivo” della storia.
Pregoni parla della donna e per la donna, in forma sacra e all’unisono pagana la donna è unico soggetto d’arte mentre il pubblico è oggetto d’indagine artistica.
In aperto contrasto con una società che ignora il ruolo della donna e ne calpesta i diritti, Please don’t touch megenererà un percorso di rivelazione ed emancipazione sospeso tra tensione, attese e iper-reale.
Le installazioni metropolitanedel designer e scultore Marco Ventura, cariche di suggestioni steampunk, saranno parte integrante della coinvolgente esperienza.
Don’t touch meLo scandalo è quello che è permesso, e come spesso accade con gli scandali, non è lo scandalo originale a far sì che la gente si turbi, ma le mezze verità dei suoi ricordi.
Ingresso gratuito
Conferma la tua partecipazione scrivendo a staff@pleasurefactory.it
A seguire cocktail party
Location: CnC HUB Alzaia Naviglio Grande 108 - 20144 Milano
Opere dalla Collezione Sandretto Re Rebaudengo a Palazzo Biscari
Opere dalla Collezione Sandretto Re Rebaudengo a Palazzo Biscari
a cura di Ludovico Pratesi e Pietro Scammacca
Installazione ambientale di Alicja Kwade nel Salone delle Feste (07.07.19 – 24.08.19)
Collettiva, La stanza analoga, negli appartamenti dell’Ala di Levante di Palazzo Biscari (08.07.19 – 07.09.19)
Palazzo Biscari, via Museo Biscari, 10 – 95131 - Catania
Dall’8 luglio 2019 Palazzo Biscari si apre nuovamente alla cultura contemporanea ospitando una selezione di opere d’arte provenienti dalla prestigiosa Collezione Sandretto Re Rebaudengo. Il progetto, a cura di Ludovico Pratesi e Pietro Scammacca, occupa due parti del palazzo: un’installazione ambientale dell’artista Alicja Kwade nel Salone delle Feste (aperta fino al 24 agosto 2019) e la mostra collettiva intitolata La stanza analoga negli appartamenti dell’Ala di Levante del palazzo, aperti al pubblico per la prima volta (fino al 7 settembre 2019).
WeltenLinie (2017) di Alicja Kwade è una composizione di specchi e strutture in acciaio che dà vita ad un ambiente abitato da ambigui rispecchiamenti in cui gli oggetti si moltiplicano e sembrano entrare in movimento, trasformando lo spazio in materia temporale. L’opera è stata prodotta dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in occasione della 57esima Biennale di Venezia. La sua presentazione nello spazio alchemico del Salone delle Feste di Palazzo Biscari crea legami evocativi con gli interni ornamentali del palazzo ed entra in risonanza con la visione illuminista ed esoterica del suo committente più illustre, Ignazio Paternò Castello, V Principe di Biscari, artefice di un labirinto vegetale che fino alla metà del diciannovesimo secolo serviva da giardino pubblico della città di Catania. In questo contesto, l’opera diventa una sorta di “macchina barocca” che riconfigura il rapporto dello spettatore con la realtà: in dialogo con gli specchi del Salone delle Feste e i trompe l’oeil che affrescano le pareti, l’installazione di Kwade immerge il visitatore in una percezione caleidoscopica e labirintica.
Gli appartamenti dell’Ala di Levante ospitano la collettiva La stanza analoga che si propone come eco di un particolare ambiente di Palazzo Biscari: la stanza detta “del Don Chisciotte” poiché affrescata con scene raffiguranti le avventure del personaggio picaresco di Cervantes. La mostra riunisce 20 artisti della Collezione di diverse generazioni, che hanno messo in atto con le loro ricerche una critica della rappresentazione attraverso linguaggi e medium diversi. Ispirandosi a dispositivi narrativi reperibili nel romanzo di Cervantes — come la critica dell’autorevolezza e il concetto di autenticità — le opere esplorano diverse strutture di significato, mettendo in questione la legittimità del sapere e della verità. Come Don Chisciotte, gli artisti si muovono lungo la linea sottile che separa la realtà dalla finzione: ‘alienati nell’analogia’, diventano ‘i giocatori disordinati dello Stesso e dell’Altro’, per adottare le osservazioni condotte da Michel Foucault sul personaggio di Cervantes. La sala ‘del Don Chisciotte’ di Palazzo Biscari rimane inaccessibile al visitatore, ma è solamente presente nel suo immaginario come punto di partenza dell’esposizione. Questo distacco crea un’analogia tra lo spazio astratto, ma percepibile della mostra e lo spazio concreto, ma impercettibile, della sala settecentesca.
Nell’ospitare una collezione privata il palazzo si ricollega alla sua storia in quanto ha ospitato a partire dal Diciottesimo Secolo il museo di reperti archeologici, strumenti fisici e rarità naturali appartenenti alla collezione di Ignazio Paternò Castello, V principe di Biscari, che fino allo scorso secolo occupavano gli ambienti del Museo Biscari. La mostra è accompagnata da un programma didattico curato dal dipartimento educativo della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo volto alla formazione di un gruppo di studenti dell’Università dei Studi di Catania che diventeranno i mediatori culturali della mostra.
Il progetto è stato realizzato in collaborazione con la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e UNFOLD. Si ringrazia Palazzo Biscari, la Fondazione Sicilia, l’azienda Dusty, l’azienda di vini e spumanti Murgo, e Radice Pura per il generoso sostegno portato a questo progetto.
a cura di Ludovico Pratesi e Pietro Scammacca
Installazione ambientale di Alicja Kwade nel Salone delle Feste (07.07.19 – 24.08.19)
Collettiva, La stanza analoga, negli appartamenti dell’Ala di Levante di Palazzo Biscari (08.07.19 – 07.09.19)
Palazzo Biscari, via Museo Biscari, 10 – 95131 - Catania
Dall’8 luglio 2019 Palazzo Biscari si apre nuovamente alla cultura contemporanea ospitando una selezione di opere d’arte provenienti dalla prestigiosa Collezione Sandretto Re Rebaudengo. Il progetto, a cura di Ludovico Pratesi e Pietro Scammacca, occupa due parti del palazzo: un’installazione ambientale dell’artista Alicja Kwade nel Salone delle Feste (aperta fino al 24 agosto 2019) e la mostra collettiva intitolata La stanza analoga negli appartamenti dell’Ala di Levante del palazzo, aperti al pubblico per la prima volta (fino al 7 settembre 2019).
WeltenLinie (2017) di Alicja Kwade è una composizione di specchi e strutture in acciaio che dà vita ad un ambiente abitato da ambigui rispecchiamenti in cui gli oggetti si moltiplicano e sembrano entrare in movimento, trasformando lo spazio in materia temporale. L’opera è stata prodotta dalla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in occasione della 57esima Biennale di Venezia. La sua presentazione nello spazio alchemico del Salone delle Feste di Palazzo Biscari crea legami evocativi con gli interni ornamentali del palazzo ed entra in risonanza con la visione illuminista ed esoterica del suo committente più illustre, Ignazio Paternò Castello, V Principe di Biscari, artefice di un labirinto vegetale che fino alla metà del diciannovesimo secolo serviva da giardino pubblico della città di Catania. In questo contesto, l’opera diventa una sorta di “macchina barocca” che riconfigura il rapporto dello spettatore con la realtà: in dialogo con gli specchi del Salone delle Feste e i trompe l’oeil che affrescano le pareti, l’installazione di Kwade immerge il visitatore in una percezione caleidoscopica e labirintica.
Gli appartamenti dell’Ala di Levante ospitano la collettiva La stanza analoga che si propone come eco di un particolare ambiente di Palazzo Biscari: la stanza detta “del Don Chisciotte” poiché affrescata con scene raffiguranti le avventure del personaggio picaresco di Cervantes. La mostra riunisce 20 artisti della Collezione di diverse generazioni, che hanno messo in atto con le loro ricerche una critica della rappresentazione attraverso linguaggi e medium diversi. Ispirandosi a dispositivi narrativi reperibili nel romanzo di Cervantes — come la critica dell’autorevolezza e il concetto di autenticità — le opere esplorano diverse strutture di significato, mettendo in questione la legittimità del sapere e della verità. Come Don Chisciotte, gli artisti si muovono lungo la linea sottile che separa la realtà dalla finzione: ‘alienati nell’analogia’, diventano ‘i giocatori disordinati dello Stesso e dell’Altro’, per adottare le osservazioni condotte da Michel Foucault sul personaggio di Cervantes. La sala ‘del Don Chisciotte’ di Palazzo Biscari rimane inaccessibile al visitatore, ma è solamente presente nel suo immaginario come punto di partenza dell’esposizione. Questo distacco crea un’analogia tra lo spazio astratto, ma percepibile della mostra e lo spazio concreto, ma impercettibile, della sala settecentesca.
Nell’ospitare una collezione privata il palazzo si ricollega alla sua storia in quanto ha ospitato a partire dal Diciottesimo Secolo il museo di reperti archeologici, strumenti fisici e rarità naturali appartenenti alla collezione di Ignazio Paternò Castello, V principe di Biscari, che fino allo scorso secolo occupavano gli ambienti del Museo Biscari. La mostra è accompagnata da un programma didattico curato dal dipartimento educativo della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo volto alla formazione di un gruppo di studenti dell’Università dei Studi di Catania che diventeranno i mediatori culturali della mostra.
Il progetto è stato realizzato in collaborazione con la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo e UNFOLD. Si ringrazia Palazzo Biscari, la Fondazione Sicilia, l’azienda Dusty, l’azienda di vini e spumanti Murgo, e Radice Pura per il generoso sostegno portato a questo progetto.
"FAR ABOVE THE MOON"
SpazioCima
presenta
LA TERZA EDIZIONE DI BOWIEBLACKSTARDUST
"FAR ABOVE THE MOON"
4 - 21 GIUGNO
VERNISSAGE MARTEDÍ 4 GIUGNO
DALLE ORE 18:30
INGRESSO LIBERO
"Far above the moon",
dal 4 al 21 giugno la mostra su David Bowie,
a 50 anni da "Space Oddity"
Circa trenta le opere e le installazioni in esposizione, di vari formati. Una mostra incentrata sul rapporto tra il cantante e lo spazio, che in tante occasioni è stato approfondito.
FAR ABOVE THE MOON è il nome della nuova mostra di SpazioCima, via Ombrone 9, Roma, che inaugurerà martedì 4 giugno, alle ore 18:30, e proseguirà sino a venerdì 21 giugno. Presenta l’inaugurazione l’attrice/scrittrice Alessandra Izzo. La collettiva, organizzata da Roberta Cima e Pietro Galluzzi, è a ingresso libero, da lunedì a venerdì dalle 15 alle 19
Tra gli artisti che hanno già confermato, con le loro opere e con i loro stili, il loro omaggio, ci sono Eugenio Rattà, Nino Attinà, Chiara Montenero, Cristina Taverna, Cristina Davoli, Valerio Prugnola, Paola Lomuscio, Marco Giacobbe, Mokodu Fall, Giovanni Sechi, Barbara Lo Faro, Adriana Farina, Valentina Lo Faro, Antonella Torquati, Rosalba Ruggero, Gabriella Annik, Tuono Pettinato, Daniela Durisotto.
David Bowie vive ancora. Quell’alieno caduto sulla Terra, come accaduto nel film “L’uomo che cadde sulla terra”, diretto da Nicolas Roeg nel 1976, ci guarda dallo spazio, e sprigiona ancora forza e vita attraverso la sua musica e la sua poesia.
“Sebbene sia lontano più di centomila miglia, mi sento molto tranquillo, e penso che la mia astronave sappia dove andare. Dite a mia moglie che la amo tanto, lei lo sa”. Queste parole sono tratte da “Space Oddity”, uno dei capolavori di David Bowie, pubblicata nel luglio del 1969. Il brano racconta di un astronauta che sta per avvicinarsi alla luna e che, durante la famosa passeggiata spaziale, si trova spaesato, ma sereno, di fronte all’immensità che ha di fronte. Questa canzone fu pubblicata sulla scia degli avvenimenti che stavano accadendo in quel periodo: non solo il primo uomo sulla luna, ma anche l’uscita del film “2001: Odissea nello spazio” di Stanley Kubrick.
presenta
LA TERZA EDIZIONE DI BOWIEBLACKSTARDUST
"FAR ABOVE THE MOON"
4 - 21 GIUGNO
VERNISSAGE MARTEDÍ 4 GIUGNO
DALLE ORE 18:30
INGRESSO LIBERO
"Far above the moon",
dal 4 al 21 giugno la mostra su David Bowie,
a 50 anni da "Space Oddity"
Circa trenta le opere e le installazioni in esposizione, di vari formati. Una mostra incentrata sul rapporto tra il cantante e lo spazio, che in tante occasioni è stato approfondito.
FAR ABOVE THE MOON è il nome della nuova mostra di SpazioCima, via Ombrone 9, Roma, che inaugurerà martedì 4 giugno, alle ore 18:30, e proseguirà sino a venerdì 21 giugno. Presenta l’inaugurazione l’attrice/scrittrice Alessandra Izzo. La collettiva, organizzata da Roberta Cima e Pietro Galluzzi, è a ingresso libero, da lunedì a venerdì dalle 15 alle 19
Tra gli artisti che hanno già confermato, con le loro opere e con i loro stili, il loro omaggio, ci sono Eugenio Rattà, Nino Attinà, Chiara Montenero, Cristina Taverna, Cristina Davoli, Valerio Prugnola, Paola Lomuscio, Marco Giacobbe, Mokodu Fall, Giovanni Sechi, Barbara Lo Faro, Adriana Farina, Valentina Lo Faro, Antonella Torquati, Rosalba Ruggero, Gabriella Annik, Tuono Pettinato, Daniela Durisotto.
David Bowie vive ancora. Quell’alieno caduto sulla Terra, come accaduto nel film “L’uomo che cadde sulla terra”, diretto da Nicolas Roeg nel 1976, ci guarda dallo spazio, e sprigiona ancora forza e vita attraverso la sua musica e la sua poesia.
“Sebbene sia lontano più di centomila miglia, mi sento molto tranquillo, e penso che la mia astronave sappia dove andare. Dite a mia moglie che la amo tanto, lei lo sa”. Queste parole sono tratte da “Space Oddity”, uno dei capolavori di David Bowie, pubblicata nel luglio del 1969. Il brano racconta di un astronauta che sta per avvicinarsi alla luna e che, durante la famosa passeggiata spaziale, si trova spaesato, ma sereno, di fronte all’immensità che ha di fronte. Questa canzone fu pubblicata sulla scia degli avvenimenti che stavano accadendo in quel periodo: non solo il primo uomo sulla luna, ma anche l’uscita del film “2001: Odissea nello spazio” di Stanley Kubrick.
MASSIMO GIORGI |VOLTI D’ALTROVE
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Galleria Horti Lamiani Roma
MASSIMO GIORGI |VOLTI D’ALTROVE a cura di Romina Guidelli INAUGURAZIONE GIOVEDÌ 30 MAGGIO ORE 18.00 DAL 30 MAGGIO AL 23 GIUGNO 2019 GALLERIA HORTI LAMIANI ROMA,Via Giolitti 163, 00185 Orari di apertura: dal lunedì al venerdì dalle 11.00 alle 18.30 / Free entry Info: mobile +39 3440412149 / e-mail:hortilamiani.art@gmail.com Giovedì 30 maggio alle ore 18.00 presso la galleria Horti Lamianidi Roma, sita in via Giolitti 163, sarà inaugurata la mostra Volti d’altrovedi Massimo Giorgi. La mostra presenterà al pubblico un’importante selezione delle opere di Massimo Giorgi, appartenenti all’ultima produzione, datate dall’anno 2016 al 2019. Oltre alle affollate e grandi tele, sarà esposta per la prima volta anche la Serie dei Volti (40 opere, 35x28 cm circa, cadauna), preziosi ritratti realizzati dall’artista negli ultimi due anni (2018-2019). |
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Il 23 maggio allo Studio Museo Francesco Messina di Milano apre la mostra personale di Matteo Fato
IL PRESENTIMENTO DI ALTRE POSSIBILITA'
Mostra di MATTEO FATO
a cura di Sabino Maria Frassà
Studio Museo Francesco Messina - Via San Sisto 4, Milano
In collaborazione con Cramum (Fondazione Cure Onlus)
Inaugurazione 23 maggio 2019 alle ore 18:00
Ingresso gratuito dal 24 maggio al 23 giugno (martedì-domenica dalle 10 alle 18
Mostra di MATTEO FATO
a cura di Sabino Maria Frassà
Studio Museo Francesco Messina - Via San Sisto 4, Milano
In collaborazione con Cramum (Fondazione Cure Onlus)
Inaugurazione 23 maggio 2019 alle ore 18:00
Ingresso gratuito dal 24 maggio al 23 giugno (martedì-domenica dalle 10 alle 18
Il 5 giugno Cramum e Gaggenau presentano "VITREUS" la mostra personale del fotografo tedesco Ingar Krauss, a cura di Sabino Maria Frassà
Milano - Il 5 giugno Cramum e Gaggenau aprono presso il Gaggenau DesignElementi Hub di corso Magenta 2, a Milano, VITREUS, la mostra, a cura di Sabino Maria Frassà, dedicata alle opere dell'artista e fotografo tedesco Ingar Krauss. Realizzata con il supporto di Goethe-Institut Mailand, VITREUS è parte del ciclo di mostre 'IN-MATERIAL, quando la materia si fa pensiero', promosso da Gaggenau insieme al progetto non profit Cramum per tutto il 2019.
Lungo il percorso di VITREUS, circa 20 scatti sono rielaborati pittoricamente con la tecnica della velatura: composizioni e assemblaggi di vetri immortalati dagli scatti fotografici che catturano ed esaltano la materia 'luce'. Di fatto, le opere di Ingar Krauss sono il risultato di un'alchimia - anche tecnica - tra fotografia, luce e pittura, che dà corpo alla luce stessa. Racconta il curatore: “Le opere di Ingar Krauss sono ipnotiche proprio nella misura in cui sembrano celare un universo parallelo dietro l'apparenza. Le nature morte, i paesaggi e persino i suoi ritratti sono sospesi in un tempo di infinito o in un eterno presente. Nella 'serie dei vetri' il tempo è rallentato, dilatato o invertito, ma non fermato. L'animo dello spettatore non può che esser in bilico tra quiete e inquietudine”.
Inaugurazione 5 giugno 2019 - ore 18:00
Aperta dal 6 giugno al 20 settembre, da lunedì a venerdì dalle 10:00 alle 19:00 in Corso Magenta 2 (cortile interno)
Lungo il percorso di VITREUS, circa 20 scatti sono rielaborati pittoricamente con la tecnica della velatura: composizioni e assemblaggi di vetri immortalati dagli scatti fotografici che catturano ed esaltano la materia 'luce'. Di fatto, le opere di Ingar Krauss sono il risultato di un'alchimia - anche tecnica - tra fotografia, luce e pittura, che dà corpo alla luce stessa. Racconta il curatore: “Le opere di Ingar Krauss sono ipnotiche proprio nella misura in cui sembrano celare un universo parallelo dietro l'apparenza. Le nature morte, i paesaggi e persino i suoi ritratti sono sospesi in un tempo di infinito o in un eterno presente. Nella 'serie dei vetri' il tempo è rallentato, dilatato o invertito, ma non fermato. L'animo dello spettatore non può che esser in bilico tra quiete e inquietudine”.
Inaugurazione 5 giugno 2019 - ore 18:00
Aperta dal 6 giugno al 20 settembre, da lunedì a venerdì dalle 10:00 alle 19:00 in Corso Magenta 2 (cortile interno)
Arcadia - Roberto di Costanzo
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Napoli ricorda Luciano Gallino - 30 Novembre 2018 - Sala dei Baroni
Un Luxury Christmas Market di eccellenza al Rome Cavalieri
Il Rome Cavalieri, resort di lusso nel cuore della Città Eterna, offre un programma entusiasmante in occasione delle festività di fine anno. Accanto all’offerta di alta cucina con il ristorante La Pergola di Heinz Beck, ai pranzi, cene e brunch dell’Uliveto di Fabio Boschero, ai dolci prelibati di Dario Nuti e una serie di meravigliose esperienze wellness del Cavalieri Grand Spa Club, l’offerta del 2018 si arricchisce di una nuova iniziativa che piacerà a molti. Il Rome Cavalieri ha infatti realizzato un “Mercatino di Natale” all’insegna del lusso, del bello e del buono, un aiuto prezioso nella ricerca e scelta della strenna migliore per i propri cari.
Dall’8 al 27 dicembre, una delle sale al piano terra, in prossimità della lobby, si animerà di stand di gran classe, ricchi di spunti e di idee.
Sarà dunque possibile scegliere tra l’offerta gourmande con il cioccolato più prelibato, i migliori caffè, i panettoni artigianali creati dall’Executive Pastry chef dell’albergo Dario Nuti, e poi ancora l’olio extra vergine di oliva frutto della raccolta delle olive nel parco privato mediterraneo del Rome Cavalieri.
Anche gli amanti del beauty avranno l’imbarazzo della scelta: da una parte, l’eccellenza dei prodotti e dei trattamenti La Prairie, con le sue creme al platino e i sieri di bellezza al caviale; dall’altra, la piacevolezza della gamma olfattiva di Aromatherapy Associates, che propone per le festività uno speciale packaging dei suoi prodotti: una confezione a forma di palla di Natale. Inoltre, la selezione degli accessori della Rome Cavalieri Boutique saranno disponibili con tante novità appositamente realizzate per il Natale. E infine, non manca un pizzico di arte e creatività con l’esposizione delle opere di DICÒ, che faranno da corollario a tanta bellezza, bontà ed eleganza. Saranno sei le opere esposte, ritratti che ben rappresentano lo stile dell’ artista romano, conosciuto non solo a Roma, ma anche all’estero, specialmente degli USA, ed esponente del filone pop contemporaneo. L’artista è noto per i suoi ritratti di personaggi celebri realizzati con colori fluo trattati poi con l’uso della fiamma ossidrica e incastonati in cornici realizzate con materiali plastici.
Lo shopping di Natale, al Rome Cavalieri, diventa facile, eccellente e divertente!
Barbara Manto
Press and PR Rome Cavalieri, Waldorf Astoria Hotels & Resorts
tel. +39063293785 mobile +393356419474 rome.cavalieri@barbaramanto.com
Montecitorio apre le porte al ricordo di Alberto Sordi e alla sua “vocazione” per l'America
Lunedì 13 novembre, presso la Sala del Mappamondo della Camera dei Deputati in Roma, si è svolta la conferenza-show dal titolo “Non solo Kansas City: Alberto Sordi, un romano in America da Ollio a Kissinger”, curata e presentata dal regista e autore televisivo Luca Martera.
Un momento di riflessione e approfondimento per un evento promosso e presenziato dalla Fondazione Italia Usa di Roma, rappresentata dal giornalista e consigliere per la comunicazione della stessa, Giampiero Gramaglia che attraverso un excursus storico, ricco di documenti video e aneddoti riportati dallo stesso curatore, ha svelato e descritto il rapporto tra Alberto Sordi e gli Stati Uniti d'America.
Estratti di opere cinematografiche, quali, sequenze filmiche più o meno note, interviste inedite e cinegiornali hanno così omaggiato la figura di Sordi, approfondendo la storia personale e professionale del grande attore romano.
Tutto questo, grazie al racconto appassionato di L. Martera sul rapporto ossessivo di Sordi per l'America e allo scorrere, su grande schermo, di estratti video delle interpretazione di film in cui lo stesso attore, fa rivivere, gli eventi socio-politici che più di tutto hanno caratterizzato la storia del novecento, dalla Grande Guerra alla ricostruzione del Piano Marshall, dal consumismo americano a confronto con la nostra cultura contadina e neo-industriale, fino al movimento femminista con l'emancipazione della donna al centro del racconto filmico, non dimenticando il racconto-cronaca della mafia e dei suoi risvolti che negli anni sessanta ancora non si conosceva, anticipando così, quello che poi sarebbe diventato un filone cinematografico di successo e tristemente attuale.
La conferenza ha voluto ricordare anche l'Alberto Sordi doppiatore, professione per la quale nel 1937, vince il concorso per “dare voce” ad Oliver Hardy. Tra i tanti aneddoti riportati, il più significativi è stato sicuramente quello sull'invenzione e la costruzione della voce, dai toni e accenti caratteristici di Ollio.
Altro momento particolarmente apprezzato è stato quello che ha voluto ricordare il giorno dell' assegnazione della cittadinanza onoraria di Kansans City al nostro Albertone, durante il quale, come documentato da un video (per molti inedito), lo stesso Sordi ironizza mettendo a confronto il nostro Bel Paese.
In fine un racconto curioso ha fatto emergere la volontà di Sordi di voler interpretare (negli anni '70), in un ipotetico film (mai girato), il segretario di stato americano Kissinger al quale assomigliava particolarmente.
Tra il pubblico molti appassionati di cinema e operatori di settore che hanno potuto ampliare la loro conoscenza e rivivere, anche se solo per un paio d'ore, una stagione cinematografica irripetibile come quella del neorealismo e della Commedia all'italiana, studiata ancora oggi dai più grandi attori e registi Hollywoodiani.
Ovviamente non sono mancati i ricordi dei grandi sceneggiatori che hanno accompagnato la carriera di Sordi decretandone, attraverso le sue magistrali interpretazioni, il successo assoluto, come Rodolfo Sonego, Sergio Amidei, Lucio Fulci, Sandro Continenza, Mario Mattoli etcc. .
In conclusione, possiamo dire che il nostro Albertone, ricordato sopratutto per l'interpretazione dell'italiano medio con l'uso sapiente dell'ironia al “contrario”(nuova per l'epoca) è stato un anticipatore dei tempi e delle vicende storico-sociali dagli anni '40 fino ai primi 2000 quando ad es. una trasmissione come “Carramba che sorpresa” ci riporta immediatamente al ricordo del film “Un italiano in America” del 1967 dove si racconta il fenomeno dei casi umani in televisione o di un' altro film scritto e diretto dallo stesso Sordi come “Il tassinaro” del 1983 in cui l'italiano medio critica la presenza invadente di Dallas nella TV italiana. Fenomeno che ancora oggi accade con le tante serie americane presenti nelle nostre vite in diverse modalità di trasmissione e diffusione digitale.
Michela Curridor
Un momento di riflessione e approfondimento per un evento promosso e presenziato dalla Fondazione Italia Usa di Roma, rappresentata dal giornalista e consigliere per la comunicazione della stessa, Giampiero Gramaglia che attraverso un excursus storico, ricco di documenti video e aneddoti riportati dallo stesso curatore, ha svelato e descritto il rapporto tra Alberto Sordi e gli Stati Uniti d'America.
Estratti di opere cinematografiche, quali, sequenze filmiche più o meno note, interviste inedite e cinegiornali hanno così omaggiato la figura di Sordi, approfondendo la storia personale e professionale del grande attore romano.
Tutto questo, grazie al racconto appassionato di L. Martera sul rapporto ossessivo di Sordi per l'America e allo scorrere, su grande schermo, di estratti video delle interpretazione di film in cui lo stesso attore, fa rivivere, gli eventi socio-politici che più di tutto hanno caratterizzato la storia del novecento, dalla Grande Guerra alla ricostruzione del Piano Marshall, dal consumismo americano a confronto con la nostra cultura contadina e neo-industriale, fino al movimento femminista con l'emancipazione della donna al centro del racconto filmico, non dimenticando il racconto-cronaca della mafia e dei suoi risvolti che negli anni sessanta ancora non si conosceva, anticipando così, quello che poi sarebbe diventato un filone cinematografico di successo e tristemente attuale.
La conferenza ha voluto ricordare anche l'Alberto Sordi doppiatore, professione per la quale nel 1937, vince il concorso per “dare voce” ad Oliver Hardy. Tra i tanti aneddoti riportati, il più significativi è stato sicuramente quello sull'invenzione e la costruzione della voce, dai toni e accenti caratteristici di Ollio.
Altro momento particolarmente apprezzato è stato quello che ha voluto ricordare il giorno dell' assegnazione della cittadinanza onoraria di Kansans City al nostro Albertone, durante il quale, come documentato da un video (per molti inedito), lo stesso Sordi ironizza mettendo a confronto il nostro Bel Paese.
In fine un racconto curioso ha fatto emergere la volontà di Sordi di voler interpretare (negli anni '70), in un ipotetico film (mai girato), il segretario di stato americano Kissinger al quale assomigliava particolarmente.
Tra il pubblico molti appassionati di cinema e operatori di settore che hanno potuto ampliare la loro conoscenza e rivivere, anche se solo per un paio d'ore, una stagione cinematografica irripetibile come quella del neorealismo e della Commedia all'italiana, studiata ancora oggi dai più grandi attori e registi Hollywoodiani.
Ovviamente non sono mancati i ricordi dei grandi sceneggiatori che hanno accompagnato la carriera di Sordi decretandone, attraverso le sue magistrali interpretazioni, il successo assoluto, come Rodolfo Sonego, Sergio Amidei, Lucio Fulci, Sandro Continenza, Mario Mattoli etcc. .
In conclusione, possiamo dire che il nostro Albertone, ricordato sopratutto per l'interpretazione dell'italiano medio con l'uso sapiente dell'ironia al “contrario”(nuova per l'epoca) è stato un anticipatore dei tempi e delle vicende storico-sociali dagli anni '40 fino ai primi 2000 quando ad es. una trasmissione come “Carramba che sorpresa” ci riporta immediatamente al ricordo del film “Un italiano in America” del 1967 dove si racconta il fenomeno dei casi umani in televisione o di un' altro film scritto e diretto dallo stesso Sordi come “Il tassinaro” del 1983 in cui l'italiano medio critica la presenza invadente di Dallas nella TV italiana. Fenomeno che ancora oggi accade con le tante serie americane presenti nelle nostre vite in diverse modalità di trasmissione e diffusione digitale.
Michela Curridor
Romaeuropa Festival 2017 -Comunicato Stampa
I cento giorni del Festival più eclettico e cosmopolita d’Italia: dal 20 settembre una non-stop di eventi internazionali nei luoghi più prestigiosi della Capitale.
79 progetti con 60 spettacoli oltre a mostre, installazioni, convegni e percorsi di formazione; 174 repliche in 24 diversi luoghi, per un totale di 57.600 posti di spettacolo in vendita; 7 prime assolute, 32 programmi internazionali. Giunto alla sua 32esima edizione e definito da Les Echos come: «Un festival internazionale che sospinge senza sosta i confini dell’arte», Romaeuropa convoca dal 20 settembre al 2 dicembre un battaglione di oltre trecento artisti provenienti da 32 Paesi.
Da Sasha Waltz a Dada Masilo, da Sidi Larbi Cherkaoui a Jan Fabre, da Jeff Mills con Tony Allen a Carl Craig con Francesco Tristano passando per Marco Paolini con Mario Brunello e Frankie hi-nrg, The Holy Body Tattoo conGodspeed You! Black Emperor, Ascanio Celestini, CollettivO CineticO, Muta Imago, Alessandro Baricco con Dario Voltolini e Nicola Tescari, Roberto Herlitzka, Pippo Delbono al fianco di Alexander Balanescu, Petra Magoni, Enzo Avitabile e Piero Corso; 40 artisti per la prima volta in programma tra i quali Julien Gosselin, Dorothée Munyaneza, Rimini Protokoll, Agrupación Señor Serrano, She She Pop con Zeikratzer, Babilonia Teatri, Lisa Ferlazzo Natoli, Biancofango, Industria Indipendente, Dante Antonelli, Azzurra De Gregorio, Giuliano Scarpinato, oltre a ben 6 ensemble orchestrali: star e nuove leve della creazione contemporanea danno vita a un caleidoscopio di forme espressive e rispondono alla domanda Where are we now?, titolo di questa nuova edizione.
«Abbiamo formulato una domanda come titolo del REf17 perché interrogarsi, in questo momento, ci sembra la scelta più consona alla condizione che stiamo vivendo – dice Fabrizio Grifasi, Direttore Generale e Artistico della Fondazione Romaeuropa presieduta da Monique Veaute – Le opere degli artisti compongono una mappa del presente, fragile come il castello di carte della nostra immagine di quest’anno ma non per questo meno ambiziosa, e si collocano oltre le categorizzazioni estetiche e di genere inserendosi in una geografia concettuale che si costruisce e si disfa secondo la forza delle interpretazioni».
Così, se la musica è il filo rosso che attraversa tutta la programmazione del REf17 modulando le emozioni del presente attraverso l’ascolto, il festival si articola come un racconto attraverso gli “aggregatori tematici” Visions, Powerful Stories, Sharing e Selfie, a cui si affiancano i focus e le rassegne interne al festival: gli spettacoli dedicati a bambini e famiglie di REF Kids a cura di Stefania Lo Giudice (novità assoluta di questa edizione), i giorni dedicati alla nuova danza europea di Dancing Days a cura di Francesca Manica, il più giovane teatro italiano in Anni Luce a cura di Maura Teofili, i Talk e i momenti di scambio e formazione di Community a cura di Lara Mastrantonio e Matteo Antonaci.
Torna inoltre Digitalife, cuore tecnologico del Romaeuropa Festival che, con la supervisione di Monique Veaute, per la sua ottava edizione, giunge per la prima volta nei prestigiosi spazi del Palazzo delle Esposizioni di Roma raggruppando opere immersive a cura di Richard Castelli e opere di video-arte selezionate da Nomas Foundation e Fondazione Giuliani. «L’ottava edizione di Digitalife – afferma Monique Veaute – stimola una riflessione sulla fragilità delle rappresentazioni del reale, ingannevole quanto le illusioni virtuali che sono in grado di deformarlo. All’interno degli spazi del Palazzo delle Esposizioni lo spettatore interagisce con complesse architetture audiovisive, vi s’immerge, viene avvolto da vortici di luce e suono». Tra gli artisti ospitati in corealizzazione con Azienda Speciale Palaexpo: AES+F, Dumb Type, Granular Synthesis, Ivana Franke, Jean Michel Bruyère.
Romaeuropa Festival 2017 sarà inaugurato il 20 settembre dalla grande coreografa tedesca Sasha Waltz in scena con la prima italiana della sua nuovissima pièce »Creation«.
Fondamentale per l’intero percorso il riconoscimento del Parlamento Italiano che a febbraio di quest’anno ha voluto inserire il Romaeuropa Festival nella legge per la valorizzazione dei grandi Festival d’interesse nazionale, e la conferma del sostegno del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, di Roma Capitale, della Regione Lazio, insieme al prezioso supporto della Fondazione Terzo Pilastro – Italia e Mediterraneo, che sostiene le attività di Romaeuropa e la promozione degli artisti del Mediterraneo, e di RAI, che con i suoi canali offre al festival nuove possibilità di approfondimento e divulgazione.
I numeri di Romaeuropa festival 201779 EVENTI / 174 REPLICHE / 32 DEBUTTI ITALIANI / 7 PRIME ASSOLUTE / 90 GIORNI DI ESPOSIZIONI ARTISTICHE
340 ARTISTI / 32 DIVERSE NAZIONALITA’ / 74 COMPAGNIE / 6 ENSEMBLE ORCHESTRALI / 40 DEBUTTI AL REF/
57.600 POSTI in vendita + Digitalife e Community / 24 SALE DI SPETTACOLO
79 progetti con 60 spettacoli oltre a mostre, installazioni, convegni e percorsi di formazione; 174 repliche in 24 diversi luoghi, per un totale di 57.600 posti di spettacolo in vendita; 7 prime assolute, 32 programmi internazionali. Giunto alla sua 32esima edizione e definito da Les Echos come: «Un festival internazionale che sospinge senza sosta i confini dell’arte», Romaeuropa convoca dal 20 settembre al 2 dicembre un battaglione di oltre trecento artisti provenienti da 32 Paesi.
Da Sasha Waltz a Dada Masilo, da Sidi Larbi Cherkaoui a Jan Fabre, da Jeff Mills con Tony Allen a Carl Craig con Francesco Tristano passando per Marco Paolini con Mario Brunello e Frankie hi-nrg, The Holy Body Tattoo conGodspeed You! Black Emperor, Ascanio Celestini, CollettivO CineticO, Muta Imago, Alessandro Baricco con Dario Voltolini e Nicola Tescari, Roberto Herlitzka, Pippo Delbono al fianco di Alexander Balanescu, Petra Magoni, Enzo Avitabile e Piero Corso; 40 artisti per la prima volta in programma tra i quali Julien Gosselin, Dorothée Munyaneza, Rimini Protokoll, Agrupación Señor Serrano, She She Pop con Zeikratzer, Babilonia Teatri, Lisa Ferlazzo Natoli, Biancofango, Industria Indipendente, Dante Antonelli, Azzurra De Gregorio, Giuliano Scarpinato, oltre a ben 6 ensemble orchestrali: star e nuove leve della creazione contemporanea danno vita a un caleidoscopio di forme espressive e rispondono alla domanda Where are we now?, titolo di questa nuova edizione.
«Abbiamo formulato una domanda come titolo del REf17 perché interrogarsi, in questo momento, ci sembra la scelta più consona alla condizione che stiamo vivendo – dice Fabrizio Grifasi, Direttore Generale e Artistico della Fondazione Romaeuropa presieduta da Monique Veaute – Le opere degli artisti compongono una mappa del presente, fragile come il castello di carte della nostra immagine di quest’anno ma non per questo meno ambiziosa, e si collocano oltre le categorizzazioni estetiche e di genere inserendosi in una geografia concettuale che si costruisce e si disfa secondo la forza delle interpretazioni».
Così, se la musica è il filo rosso che attraversa tutta la programmazione del REf17 modulando le emozioni del presente attraverso l’ascolto, il festival si articola come un racconto attraverso gli “aggregatori tematici” Visions, Powerful Stories, Sharing e Selfie, a cui si affiancano i focus e le rassegne interne al festival: gli spettacoli dedicati a bambini e famiglie di REF Kids a cura di Stefania Lo Giudice (novità assoluta di questa edizione), i giorni dedicati alla nuova danza europea di Dancing Days a cura di Francesca Manica, il più giovane teatro italiano in Anni Luce a cura di Maura Teofili, i Talk e i momenti di scambio e formazione di Community a cura di Lara Mastrantonio e Matteo Antonaci.
Torna inoltre Digitalife, cuore tecnologico del Romaeuropa Festival che, con la supervisione di Monique Veaute, per la sua ottava edizione, giunge per la prima volta nei prestigiosi spazi del Palazzo delle Esposizioni di Roma raggruppando opere immersive a cura di Richard Castelli e opere di video-arte selezionate da Nomas Foundation e Fondazione Giuliani. «L’ottava edizione di Digitalife – afferma Monique Veaute – stimola una riflessione sulla fragilità delle rappresentazioni del reale, ingannevole quanto le illusioni virtuali che sono in grado di deformarlo. All’interno degli spazi del Palazzo delle Esposizioni lo spettatore interagisce con complesse architetture audiovisive, vi s’immerge, viene avvolto da vortici di luce e suono». Tra gli artisti ospitati in corealizzazione con Azienda Speciale Palaexpo: AES+F, Dumb Type, Granular Synthesis, Ivana Franke, Jean Michel Bruyère.
Romaeuropa Festival 2017 sarà inaugurato il 20 settembre dalla grande coreografa tedesca Sasha Waltz in scena con la prima italiana della sua nuovissima pièce »Creation«.
Fondamentale per l’intero percorso il riconoscimento del Parlamento Italiano che a febbraio di quest’anno ha voluto inserire il Romaeuropa Festival nella legge per la valorizzazione dei grandi Festival d’interesse nazionale, e la conferma del sostegno del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, di Roma Capitale, della Regione Lazio, insieme al prezioso supporto della Fondazione Terzo Pilastro – Italia e Mediterraneo, che sostiene le attività di Romaeuropa e la promozione degli artisti del Mediterraneo, e di RAI, che con i suoi canali offre al festival nuove possibilità di approfondimento e divulgazione.
I numeri di Romaeuropa festival 201779 EVENTI / 174 REPLICHE / 32 DEBUTTI ITALIANI / 7 PRIME ASSOLUTE / 90 GIORNI DI ESPOSIZIONI ARTISTICHE
340 ARTISTI / 32 DIVERSE NAZIONALITA’ / 74 COMPAGNIE / 6 ENSEMBLE ORCHESTRALI / 40 DEBUTTI AL REF/
57.600 POSTI in vendita + Digitalife e Community / 24 SALE DI SPETTACOLO
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